MUSEO DE CALCOS
En el sector sur de Puerto madero se encuentra el
interesante Museo de Calcos de Argentina, más precisamente en la calle Tristan
Achaval Rodríguez 1701. Aquí funciona la Escuela de Bellas Artes de la Cárcova.
LLeva el nombre de Ernesto de la Cárcova inaugurado en el año 1928
por recomendación de la Comisión Nacional de Bellas Artes y a instancias
del referido artista Ernesto de la Cárcova, de
quien no solo fue el fundador también el primer Director de la Escuela Superior de Bellas
Artes y de la Academia Nacional de Bellas Artes.
Fue pues, desde un principio un museo que cumple una función doblemente didáctica: por un lado debía reunir las obras maestras del arte clásico y que las esculturas sirviesen a su vez como modelos para los alumnos de la Escuela Superior de Bellas Artes. Las clases de dibujo, modelado y pintura impartidas en sus salas han formado a varias generaciones de artistas a lo largo de sus ocho décadas de historia.
Fue pues, desde un principio un museo que cumple una función doblemente didáctica: por un lado debía reunir las obras maestras del arte clásico y que las esculturas sirviesen a su vez como modelos para los alumnos de la Escuela Superior de Bellas Artes. Las clases de dibujo, modelado y pintura impartidas en sus salas han formado a varias generaciones de artistas a lo largo de sus ocho décadas de historia.
El Museo de Calcos y Esculturas Comparadas se funcionó en
una primer instancia en una sección del antiguo Lazareto, junto a la Escuela de
Bellas Artes llamado luego Ernesto de la Cárcova. Conserva una rica colección
de réplicas de obras escultóricas. Muchas piezas en exhibición fueron obtenidas
con un molde directo del original, y esa es su mayor riqueza, sobre todo si se
tiene en cuenta que es una práctica que se ha prohibido, de tal modo que
las
convierte en piezas únicas. Se puede ver
el David y el Moisés de Miguel Angel, la Venus de Milo y otras destacadas obras
del arte griego, romano, egipcio, asirio, asiático y europeo medieval como una
copia fiel de su original .
Este Museo herencia del primer centenario de Argentina se
constituye como el museo más importante de su género en América del Sur.
Sus
colecciones están conformadas por copias de obras famosas, logradas mediante la
técnica del vaciado, es decir, con moldes especiales sacados de los propios
originales, técnica por la cual las reproducciones alcanzan máxima fidelidad,
hasta sus más finos detalles.
Son técnicas muy antiguas donde la pieza original fue utilizada para formar el molde donde luego se vaciara yeso y algunas resinas y pigmentos que le dan textura y apariencia de mármol, por lo tanto con esta técnica se reproduce fielmente el original.
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| David de Miguel Angel copia fiel del original |
Son técnicas muy antiguas donde la pieza original fue utilizada para formar el molde donde luego se vaciara yeso y algunas resinas y pigmentos que le dan textura y apariencia de mármol, por lo tanto con esta técnica se reproduce fielmente el original.
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| Jaguar rojo . En piedra con jade. Cultura maya pos clásica |
Este museo que se encuentra a pasos de la reserva
ecológica, es sin duda el museo más importante de su género en América del Sur,
además de ser el más antiguo , nos habla del valor cultural de la Argentina. La
importancia de su colección reside precisamente en la alta calidad de las
reproducciones que alberga. Las piezas que se exponen en su antigua sede, la
mayoría correspondientes a la época de la Grecia Clásica, son primeras copias
de las obras originales; expuestas nada menos que en la academia de Florencia, o los museos Británico, del Louvre o el museo Británico.
El David
El David original se encuentra en Florencia es una escultura de mármol blanco de más de 5 metros de altura y pesa 5572 kilogramos (mas de 5 tm ¡!!!!!). Esta monumental obra por su tamaño y belleza fue realizada por Miguel Ángel Buonarroti entre 1501 y 1504 por encargo de la Opera del Duomo de la catedral de Santa María del Fiore de Florencia. La escultura representa al rey David bíblico en el momento previo a enfrentarse con Goliat, y fue acogida como un símbolo de la República de Florencia frente a la hegemonía de sus derrocados dirigentes, los Médici, y la amenaza de los estados adyacentes, especialmente los Estados Pontificios.
El David esta considerada por gran parte
de los historiadores y críticos de arte como una de las obras maestras del
Renacimiento. Es sin duda la escultura más famosa del mundo, cuyo original se
encuentra expuesta en la Galería de la Academia de Florencia . Antiguamente se
encontraba expuesta en la plaza de la Señoría de la capital toscana y hoy
también se la puede ver en dicho lugar pero se trata de una réplica , copia
fiel del original y realizada en mármol blanco. La copia de colada que se encuentra
en nuestro museo de La Cárcova de Buenos Aires, es también una copia fiel del original pero hecha en
yeso y resinas con apariencia de mármol.
El David original se encuentra en Florencia es una escultura de mármol blanco de más de 5 metros de altura y pesa 5572 kilogramos (mas de 5 tm ¡!!!!!). Esta monumental obra por su tamaño y belleza fue realizada por Miguel Ángel Buonarroti entre 1501 y 1504 por encargo de la Opera del Duomo de la catedral de Santa María del Fiore de Florencia. La escultura representa al rey David bíblico en el momento previo a enfrentarse con Goliat, y fue acogida como un símbolo de la República de Florencia frente a la hegemonía de sus derrocados dirigentes, los Médici, y la amenaza de los estados adyacentes, especialmente los Estados Pontificios.
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| Detalle de la cabeza del David |
La Piedad o Piedad del Vaticano
Es un conjunto escultórico del renacimiento italiano creada
por el pintor y escultor florentino Miguel Ángel Buonarroti en el año 1499
cuando tenía 24 años de edad., La Piedad original de Miguel Ángel se encuentra
en el Vaticano. Los críticos de arte e historiadores comentan que se trata de
un conjunto escultórico definido sobre una triangulo equilátero. La obra global
del conjunto realizada en escala natural y circular le permite ser observada en
toda su extensión, aunque el conjunto fue diseñado para la contemplación de
frente.
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| detalle de una virgen muy joven con gesto de dolor |
El tema de la Piedad, tanto en pintura como en escultura, representa el
dolor de la Virgen María al sostener en sus brazos el cadáver de su hijo
Jesucristo cuando éste desciende de la cruz.
La Piedad se realizó por un encargo del Cardenal de
Saint-Denis para ser colocada en la Basílica de San Pedro en Roma. El contrato,
firmado en el año 1498, especificaba el material, el tema, el tamaño, los
plazos y el precio del encargo. Asi quedo plasmada la obra de una Piedad de
mármol de 1,95m de ancho por 1,74 m de alto, hecha con una Virgen María vestida
sosteniendo en sus brazos a su hijo Jesucristo muerto. Según los estudiosos de
la obra, dicen que la escultura Piedad de Miguel Ángel, esta marcada la influencia neoplatónica tanto
en la belleza representada en la Virgen María como en un Jesucristo sereno, ausente del dolor y del sufrimiento
que se solía representar en este tema religioso. La figura de Jesucristo, se
observa con cabeza y brazo inclinado hacia el lado derecho se armoniza con la
figura de la Virgen María envuelta en telas gruesas llenos de pliegues
inclinados hacia la izquierda. Tambien observan que la proporción monumental de la Virgen María con
respecto a su hijo Jesucristo sirve como elemento de corrección óptica
balanceando el conjunto escultórico. La cara inmaculada y extremadamente joven
de la Virgen María fue justificada por Miguel Ángel como una forma de
representar a María eternamente virgen porque las personas que se enamoran de
dios son, según él, eternamente jóvenes. Asimismo La cara de Jesucristo, según
el propio Miguel Ángel, representa un hombre dentro de su naturaleza humana, por lo tanto se muestra
común en sus despojos mortales. El formato de los pliegues en la parte superior
es comparativamente mucho más suave y más pulido que la parte inferior, creando
un efecto sobre la iluminación, dando una sensación de mayor delicadeza. La
piedad del museo de Buenos Aires es otra reliquia fiel copia del original del
vaticano
La victoria alada Un hallazgo que fascina
La Victoria alada de Samotracia, también conocida como
Victoria de Samotracia y Niké de Samotracia
es una escultura perteneciente a la escuela rodia del período
helenístico. Se encuentra en el Museo del Louvre, París. Representa a Niké, la diosa de la victoria.
Tiene una altura de 2,45 m y se elaboró en mármol en el año 190 a. C. Procede
del santuario de los Cabiros en Samotracia. Algunos expertos la atribuyen con
cierta probabilidad a Pithókritos de Rodas. Fue descubierta en 1863 en la isla
de Samotracia por el cónsul francés Charles Champoiseau, arqueólogo aficionado.
Aunque cuando se descubrió se pensó que fue mandada esculpir
por Demetrio Poliorcetes para conmemorar su triunfo naval en Salamina sobre la
flota de Ptolomeo Sóter en el año 306 a. C., porque figuraba en las monedas
emitidas del 294 al 288 a. C., la datación de la escultura hacia comienzos del
siglo II antes de Cristo hace más lógico pensar que en realidad se labró para
celebrar las victorias sobre Antíoco III Megas.
La figura femenina de la Victoria con alas se posa sobre la
proa de un navío, que actúa de pedestal de la figura femenina, cuyo cuerpo
presenta una leve y graciosa torsión. Va envuelta en un fino chitón y un manto,
ropajes que se adhieren al cuerpo dejando traslucir su anatomía, tratamiento
este que recuerda a la denominada técnica de «paños mojados» atribuida a las
obras de Fidias. El manto forma un rollo sobre el muslo derecho para caer luego
entre las piernas, dando lugar a una composición muy característica en otras
figuras femeninas de la misma época. Las ropas agitadas por el viento
configuran el dramatismo, esta vez gozoso, tan característico de la escuela
escultórica rodia, una de las más barrocas del helenismo. Hay que precisar que
una de sus alas, al menos en parte, no es original, sino producto de una
restauración.
Según la National
Geographis. Desde su hallazgo en 1863, la célebre estatua ha tomado forma a
través de sucesivas reconstrucciones y restauraciones La Victoria de Samotracia
ha fascinado a artistas y literatos como una de las más espectaculares y
acabadas muestras del arte helenístico. Representa a Niké, la diosa de la
victoria, posándose sobre la proa de una nave con tan meditado equilibrio que
el mármol parece elevarse a los cielos.
El poeta Rainer Maria Rilke vio en esta composición «una imperecedera recreación del viento griego en lo que tiene de vasto y de grandioso». Es admirable la maestría con la que se sugiere el movimiento en el sinuoso equilibrio de la figura. Pero no menos fascinante resulta el modo en que, a partir de los fragmentos descubiertos en 1863 en una isla del Egeo, los expertos lograron recomponer la majestuosa estatua para exponerla en el Museo del Louvre. El descubridor de la Victoria de Samotracia, Charles Champoiseau, nació en Tours en 1830. No era arqueólogo de profesión, sino miembro del cuerpo diplomático francés, aunque quizá su interés por la historia le vino de su padre, miembro fundador de la Sociedad Arqueológica de Turena. Champoiseau ejerció como cónsul en varios países y ciudades (incluso en Bilbao, en 1874), pero principalmente en el Imperio otomano, lo que le hizo familiarizarse con la costa del mar Egeo y su ilustre pasado
Un
a vez depositadas
las piezas en el Louvre, comenzaron las labores de restauración. Para asegurar
la estabilidad de la estatua se insertó una barra metálica entre el costado
derecho y el zócalo. También se reconstruyó la pierna derecha, que era la más
dañada. Sin embargo, no se pudieron colocar ni el busto ni el ala izquierda,
que no podía colgarse en el vacío, a pesar de que el equipo de restauradores la
había recompuesto casi en su totalidad. La estatua se expuso por primera vez en
la sala de las Cariátides en 1866, y en 1870 se hizo una copia que hoy en día se guarda en la galería de
esculturas y reproducciones artísticas del palacio de Versalles. En 1875,
arqueólogos austríacos descubrieron grandes bloques de mármol gris de la
cantera de Lartos, en la isla de Rodas, que, correctamente ensamblados,
representaban la proa de un barco de guerra. Rápidamente asociaron estos
bloques con algunas monedas helenísticas en las que la Victoria aparecía
representada de pie sobre la proa de un navío. Sin duda esos bloques
pertenecían a la base de la estatua. Cuando Champoiseau recibió la noticia,
hizo las gestiones necesarias para trasladar los bloques de mármol a París.
Incluso años después, en 1891, ya miembro consagrado del Instituto de Francia,
Champoiseau regresó a Samotracia al mando de una expedición arqueológica con la
esperanza de hallar las piezas que faltaban y la ansiada cabeza, que, sin
embargo, nunca logró encontrar.
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| ala izquierda Victoria de Samotracia |
El poeta Rainer Maria Rilke vio en esta composición «una imperecedera recreación del viento griego en lo que tiene de vasto y de grandioso». Es admirable la maestría con la que se sugiere el movimiento en el sinuoso equilibrio de la figura. Pero no menos fascinante resulta el modo en que, a partir de los fragmentos descubiertos en 1863 en una isla del Egeo, los expertos lograron recomponer la majestuosa estatua para exponerla en el Museo del Louvre. El descubridor de la Victoria de Samotracia, Charles Champoiseau, nació en Tours en 1830. No era arqueólogo de profesión, sino miembro del cuerpo diplomático francés, aunque quizá su interés por la historia le vino de su padre, miembro fundador de la Sociedad Arqueológica de Turena. Champoiseau ejerció como cónsul en varios países y ciudades (incluso en Bilbao, en 1874), pero principalmente en el Imperio otomano, lo que le hizo familiarizarse con la costa del mar Egeo y su ilustre pasado
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| ala derecha. Victoria de Samatracia |
Venus de Milo
La Venus de Milo data del siglo II a.C, está considerada
como la escultura clásica realizada en mármol más conocida del mundo antiguo.
Mide 2,05 m de altura y pesa 900 kg,
representa a Afrodita (Venus en la mitología romana), la diosa griega
del amor y la belleza. Es Venus para la mitología romana. Es una obra de autor
anónimo.
Según la historia oficial, esta escultura fue hallada de
manera casual por un campesino llamado Yourgos, cuando realizaba trabajos de
agricultura. en 1820, en una isla conocida también como Melo o Milos , cerca de
Paleo Castro, la principal población de la isla, la misma se encontraba isla de
partida en dos pedazos por A sabienda que se trataba de una escultura
importante e impresionado por su belleza la escondió de las autoridades y la
conservó en su casa durante algún tiempo, rechazando cuantas ofertas recibía.
Hasta que un oficial naval francés, Jules Dumont, reconoció su valor y arregló
su compra con las autoridades turcas en nombre del embajador francés en
Turquía, el Marqués de Riviere. Tras unas tareas de reparación, la estatua fue
presentada al rey Luis XVIII, que la entregó al museo del Louvre, donde todavía
se expone al público. La leyenda narra también que los brazos habían sido
recuperados por los Turcos y los mantendrían ocultos, pero los cierto es que
también se ha especulado cual sería la posición de los mismos, unos sostiene
que con una mano sostendría un espejo, otros que con la mano izquierda
sostendría una manzana ( Melos del griego) Una de las versiones que más se ha
difundido es que la Venus del Milo no tiene brazos porque habría tomado entre
sus manos la manzana de oro como reconocimiento por ser la diosa más hermosa de
todas, lo que luego desencadenó la guerra de Troya. También se dice que la
falta de una parte de su cuerpo podría ser una señal de que la belleza no debe
ser solo fisica, hay que considerar que el alma de las personas forma parte del
ideal de la belleza y ella por ser la diosa del amor y la belleza lo transmitía
de ese modo. Otra versión dice que el autor la representó de esa manera porque
Afrodita era capaz de enloquecer de amor a cualquier hombre, y que le bastaba
con señalarlo con el dedo índice para que se enamorara perdidamente de ella. La
copia fiel del museo de Buenos Aires, es un calco en yeso y resina
EL MOISES
Se trata de una escultura renacentista del siglo XVI. Es la
figura central de la tumba del Papa Julio II, en la iglesia de San Pedro in
Víncoli, en Roma. Realizada en 1515.
Fue creada en mármol de carrara por Miguel Ángel Buonarotti. La escultura representa la llegada del profeta del monte Sinaí, con las Tablas de la Ley para enseñárselas a los israelitas las sostiene con bajo el brazo derecho y contempla horrorizado cómo éstos han abandonado el culto de Jehová y están adorando al Becerro de Oro.
Tiene una actitud entre
horrorizado y desafiante, con un pie en posición de pararse con vehemencia. Los
críticos de arte confirman que Las características renacentistas se encuentran
muy marcadas por el movimiento en los pliegues de su ropa, en el pelo y en la
barba que dan movimiento a la cabeza, Mientras que su rostro denota una actitud
tensa y ceño fruncido, y la expresión profunda de sus ojos es única, que demuestran su enojo, la pierna izquierda detrás de la
derecha, como si fuese a levantarse. La búsqueda de la belleza, el naturalismo,
en la piel, en su cuerpo, el interés por la figura humana y la perfección
técnica de la anatomía de su cuerpo, hasta se notan la venas de su mano. La
escultura del Moisés fue terminada por Miguel Ángel en 1515, y cuando la
visites, te impresionará la majestuosidad de la talla de mármol. Y a pesar de
que no se encuentra enmarcado dentro del gran poyecto inicial, al ver la
escultura apreciarás una mezcla entre su imponente figura y la delicadeza de
los detalles del cuerpo y los ropajes. Al contemplar esta no debes dejar de
fijarte en que el Moisés tiene en su cabeza dos cuernos, que en realidad
quieren representar el rayo divino.
La leyenda cuenta que, al acabarlo, el artista golpeó la rodilla derecha de la estatua y le dijo "¿por qué no me hablas?", sintiendo que la única cosa que faltaba por extraer del mármol era la propia vida. En la rodilla se puede encontrar la marca de Miguel Ángel al golpear a su Moisés. En el Museo de la Carcova tenemos una réplica igual pero de yeso y resina que le dan aspecto de mármol.
Torso del Belvedere
Fue creada en mármol de carrara por Miguel Ángel Buonarotti. La escultura representa la llegada del profeta del monte Sinaí, con las Tablas de la Ley para enseñárselas a los israelitas las sostiene con bajo el brazo derecho y contempla horrorizado cómo éstos han abandonado el culto de Jehová y están adorando al Becerro de Oro.
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| detalle de la rodilla derecha de Moises |
La leyenda cuenta que, al acabarlo, el artista golpeó la rodilla derecha de la estatua y le dijo "¿por qué no me hablas?", sintiendo que la única cosa que faltaba por extraer del mármol era la propia vida. En la rodilla se puede encontrar la marca de Miguel Ángel al golpear a su Moisés. En el Museo de la Carcova tenemos una réplica igual pero de yeso y resina que le dan aspecto de mármol.
Torso del Belvedere
El original se encuentra en el Museo Pio Clementino del
Vaticano. El famoso torso de mármol, conocido en Roma desde el siglo XV, hizo
su entrada en las colecciones del Vaticano entre 1530 y 1536 y se convirtió en
una de las esculturas antiguas más admiradas por los artistas hasta nuestros
días. A través de los siglos, la estatua ha sido objeto de diversas
interpretaciones. La hipótesis más aceptada en la actualidad se identifica con
el héroe griego Áyax Telamonio en el acto de meditar el suicidio. Se cuenta que
durante la guerra de Troya, el guerrero se volvió loco cuando Ulises le
sustrajo las armas de Aquiles. La iconografía fue reconstruida gracias a
diversos testimonios figurativos: la cabeza estaba tristemente apoyada en la
mano derecha, que sostenía la espada con la que el héroe se iba a quitar su
propia vida. La escultura, que data del siglo I a.C., está firmada por el
ateniense Apolonio, un artista de la corriente neoática que se inspiró con toda
probabilidad en una bronce de la primera mitad del siglo II a.C. La réplica la
podemos ver en nuestro museo de la Cárcova
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| Conjunto Sepúlcro Gótico |
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| Copia de un busto que se encuentra en el Vaticano |
Diosa de la mitología griega, Atenea también llamada Palas Atenea .Es la diosa de
la virginidad perpétua es la diosa de la guerra, de la civilización, la sabiduría, la estrategia,
de las artes, de la justicia y de la habilidad. Una divinidad de amplio
espectro y una de las principales figuras del panteón griego y nada menos que uno
de los doce dioses Olímpicos. Atenea recibió culto en toda la Grecia Antigua y
también en sus colonias por ello su
culto tomó muchas formas e incluso tuvo una gran expansión su figura se
mimetizo con otras divinidades del mediterráneo. En Roma se la conoció como
Minerva.
PUTEAL BAQUICO
Puteal es un brocal de pozo (del latín puteus, pozo)
PUTEAL BAQUICO, De mármol, perteneciente al arte Romano, anterior a 1685, cuyo original se encuentra en el Museo del Vaticano. Se llama brocal al pretil o parapeto que corona a nivel superficial un pozo. Como elemento aislado es sinónimo de puteal. Es habitual que sobre él se instale una polea con una zoga y un balde que permite subir el aua extraída. Normalmente cada puteal lleva una tapa circular. El contorno lleva figuras del dios baco., y escenas de la vida Romana..
DIONISIO Arte griego
DIONISIO- Si bien el nombre refiere a una infinidad de divinidades y personajes históricos, en Grecia se refiere a la divinidad de la vitivinicultura y del vino , mas conocido como Baco para los romanos. La copia que presenta al museo La Cárcova se refiere a una escultura griega hecha en marmol entre 432 y 438 a.c. cuyo original se encuentra en el museo Británico.
Venus de Frejús o Genitrix
Escultura de mármol del sigloV (400) A.C.
1,65 m de altura. Original se encuentra
en el museo del Louvre en París. En nuestro museo de la Cárcova se encuentra
esta réplica. Afrodita se encuentra vestida con un chiton fino, suelto y
transparente, con su brazo se echa un manto
sobre la espalda la espalda, dando un toque delicado y sensual. La obra hace
gala de la exquisitez característica del escultor Kallímachos representante por
excelencia del estilo bello. La obra fue, después de la Cnido de Praxíteles, la
Afrodita más célebre en la Antigüedad.
BAKAB MEXICO CULTURA TOLTECA
La cultura tolteca es una de las culturas precolombinas de
Mesoamérica. Se trata del desarrollo de un pueblo nahua que dominó en el norte
del altiplano mexicano entre los siglos X y XII. La antigua capital de la
cultura tolteca nos revela pistas sobre
la vida y costumbres de sus hatitante sus creencias y su orden social. La
aparición de los chichimecas provocó la caída de esta cultura en manos de estos
bárbaros, lo que dio origen posterior al
Imperio Azteca. Los Toltecas son conocidos por su estilo arquitectónico, una
que más tarde inspiraría a los constructores aztecas. El Arte tolteca se
caracteriza por tener paredes cubiertas de serpientes y calaveras, y las
monumentos monolíticos conocidos como Atlantes de Tula , que eran hombres colosales
tallados en grandes columnas de granito-.En nuestro museo se encuentra una
muestra de piedra policromada, cuyo original se encuentra en el museo de
Antropología de México. cultura Cotzumalhuapa
La piedra de Santa Lucia
de Cotzumalhuapa, (Mexico) Según un documento producido por el propio museo
dice que la piedra aún se encuentra en
su emplazamiento original, que representa el paso de muchas culturas americanas
y es una de las obras escultóricas más interesantes de Mesoamérica.
Lo
llamativo del calco de esta pieza conservado en el Museo de la Cárcova, además
de su valor intrínseco como réplica del monumento original, es que se trata de
uno de los dos vaciados que se hicieron de esa escultura en Alemania: uno para
el Museo de Berlín y otro adquirido por Juan B. Ambrosetti para el Museo
Etnográfico que lleva su nombre. El molde de Cäecilie y el primer vaciado se
destruyeron durante la Segunda Guerra Mundial, cuando Krickeberg intentaba
salvar el patrimonio guareciéndolo en las minas y refugios antiaéreos en
Alemania.
De manera que el calco existente en la Argentina aparentemente es
único en el mundo y presenta detalles que ya no se observan en la pieza
original.
Lo maravilloso de este museo es que tiene replicas que reproducen con el mas minino detalle las obras originales y algunos casos son copias de conservación únicas en el mundo. Visitar este museo es entrar a ver importante obras de los grandes museos europeos como el Louvre, el museo del Vaticano, museo de Berlin, Museo Britanico.. Es un museo admirable!!!!!!!!!!!. La construcción de este artículo fue escrito con la información aportada por el museo.
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